Alejandro Cartagena.

Háblanos acerca de tu formación como fotógrafo.

Se podría decir que soy autodidacta ya que me pasé la mayor parte como de asistente con diversos fotógrafos,  al cabo de unos largos años me puse por mi cuenta como fotógrafo editorial y publicitario.

Después me dí cuenta que no estaba feliz con lo que hacía ya que sólo tomaba fotografías para los demás y no hacía nada como proyecto personal. A partir de ahí es cuando decido fugarme a E.U.  y paso nueve meses  viviendo del cuento pero ya empiezo a hacer mis fotos, digamos que necesitaba este giro en mi vida ya que estaba un poco ahogado en mi ciudad. Luego decido viajar a México con la idea de un cambio de aires y seguir haciendo mis proyectos personales.

Al cabo de un año de estar en la Ciudad de México cursé el Seminario de Fotografía Contemporánea en el centro de la Imagen, posteriormente imparto varios talleres Internacionales con diversos fotografos.

Esa sería a grandes rasgos mi historia.

¿Cómo surge la serie Invaders? Háblanos más acerca de esta serie.

Invaders surge de la casualidad en un viaje por el Norte de la República; Sonora y Sinaloa. Básicamente siempre me han llamado la atención estas estructuras metálicas, con una similitud próxima a la de un platillo volador mejor conocido como OVNI. En la mayoría de las imágenes podemos ver estas grandes estructuras en medio de zonas semidesérticas. Es la importancia del almacenamiento  de agua en esas zonas que permite una reflexión entre vida, urbanidad y espacio.

Tienes otra serie llamada Cocina Económica, háblanos sobre esta serie.

Cocina económica  también surge de un viaje rumbo Real de Catorce,  básicamente es un documento de esos lugares que alguna vez fueron algo, tuvieron un papel en el mundo y la  sociedad y que por causas del desarrollo ya sea por nuevas vías rápidas o por los diversos cambios económicos pasaron a ser arquitecturas permanentes con muy poca frecuencia social y las que corrieron con menos suerte terminaron como estructuras fantasmas.

Con el proyecto de “cocina económica ”  me siento muy agradecido por la forma en que está realizado ya que me encontré esos lugares en medio de la nada y me parecía que estaban puestos expresamente para mi.

¿Qué crees que aporten estas series al exhaustivo ejercicio de Bernd y Hilla Becher?

No creo que aporte nada, digamos que es visión personal de estas estructuras, pienso que el trabajo de Bernd y Hilla Becher es de una manera  científico y sigue unos métodos de realización y concepción muy diferentes a Invaders, además no creo que sea comparable  ya que para mi son palabras mayores, mis respetos a esta pareja de grandes fotógrafos.

Cuéntanos cuál es el proceso que sigues para realizar una fotografía

La mayoría de mis proyectos surgen de una idea más o menos clara, normalmente no hay un discurso detrás de todo ello;  si lo hay es porque a uno se le obliga a argumentar sus imágenes y lo que a mi me interesa es darle esa importancia que merecen los objetos en cuestión. También podríamos decir que me rijo mucho por la estética y por una “frontalidad definitiva”, pienso que  cada proyecto necesita  de un proceso de elaboración distinto.

También hay un tema básico que es la documentación, pero el mundo de Internet es tan grande que aveces no das con la información deseada  y luego suceden las semejanzas, lo que quiero decir es que prácticamente ya esta todo hecho y lo que hacemos es darle una visión distinta.

¿Cuál es tu equipo de trabajo?

Soy un amante de las cámaras y cada proyecto requiere de un formato y tipo de cámara específicos. Estos dos proyectos están hechos con Hasselblad  y película negativa Kodak ISO 160. Me encanta trabajar en película pero no le hago feos al digital; trabajo con un 5DII.

¿En qué proyecto estás trabajando en este momento?

En estos momentos estoy trabajando en varios  temas no muy definidos del todo pero uno de ellos que estoy muy contento son de la tipología de “arquitectura urbana ” olvidada , se trata  agrandes rasgos de esos autos clásicos que están en la ciudad  semi-abandonados y abandonados. Estoy realizando un registro de esos vehículos que han  sido testigo de cientos de historias y que ahora por diversos motivos están en sus últimos años de vida es por eso que creo que es un documento muy interesante.

Marcel Rius.

La obra de Dulce Pinzón se ha caracterizado por tratar el tema de la migración y hacer una denuncia social pero desde un punto de vista artístico.

En “Multiracial” vemos una serie de 16 retratos de personas procedentes de mezclas interraciales sobre un fondo liso, en estás imágenes nos enfrentamos a ese tabú que tenemos como sociedad sobre la mezcla de diferentes “razas” y plantea la posibilidad de que en algún futuro cercano la discriminación racial será más difícil debido a las complicaciones para encontrar la procedencia racial de las personas.

En “La Verdadera Historia de los Superhéroes“, Dulce continua con el tema de la inmigración retratando a mexicanos que viven en Nueva York durante su jornada laboral pero caracterizados como superhéroes haciendo que como espectadores nos cuestionemos el termino de superhéroe al mismo tiempo que nos hace notar la indiferencia que tenemos sobre lo importante que es la fuerza laboral inmigrante en  Estados Unidos.

En “People I Like“, Dulce regresa al estudio y aunque visualmente es algo totalmente diferente a la serie de superhéroes, en el fondo sigue la misma línea de denuncia al retratar a un grupo social en Nueva York pero que a diferencia de la serie anterior, en esta retrata a personas ya establecidas en la ciudad y que están en busca de crear un movimiento cultural.

Hace unos días se inauguró la exposición “People I Like” de Dulce Pinzón en la galería talCual, unas horas antes estuvimos en el montaje y entrevistamos a Dulce, nos habló sobre sus inicios en la fotografía, Superhéroes, People I Like y más.

Gracias a talCual por ayudarnos a hacer esta entrevista.

Dulce Pinzón nació en la Ciudad de México en 1974. Estudió Ciencias de la Comunicación en La Universidad de Las Américas en la ciudad de Puebla y fotografía en La Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995 se mudó a Nueva York en donde estudió en el International Center of Photography.

Fraum Blaum es el proyecto con el cual Eunice Adorno ganó el Premio Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benitez. Fraum Blaum retrata la vida de un grupo de mujeres en una comunidad menonita de Nuevo Ideal, Durango.

Emprendí un viaje a los campos menonitas de Nuevo Ideal, Durango para conocer a las mujeres de las comunidades más conservadoras de nuestro país.

Fraum Blaum en alemán bajo significa “mujeres flores”. Las flores son el camino para entrar en su vida; están en todas partes, en sus nombres, sus jardines, sus casas y los paisajes a los que me condujeron ellas mismas.

Ese universo colorido y secreto, fascinante, ha ido conformando este proyecto documental. Los espacios cotidianos e íntimos son los sitios que me han dejado penetrar. Las estancias largas, aisladas, se han traducido en encuentros con lo habitual, lo simple. Convivir con ellas, ha sido develar pasión, recuerdos, secretos, amistad, placer y diversión que muchas de esas mujeres esconden bajo sus vestidos cautelosos y su reservada mirada al exterior.

Las mujeres menonitas que me han abiertos sus hogares y sus vidas, me han mostrado su peculiar forma de vida, la que para muchos resulta incomprensible, por lo que consideran una “obstinada” idea por conservar sus tradicional cultura, esa con la que en 1920 llegaron a nuestro país, con la venia de Álvaro Obregón, quien les concedió algunas tierras en el norte (Chihuhua, Durango, y Zacatecas), y la que hasta hoy conservan.

Comprendo que en cada viaje busco, en muchos sentidos, mi propia historia e identidad. También entiendo que mirar a las mujeres menonitas es, de forma recíproca, ser mirada por ellas. Admito ser observada y comparto estos instantes de luz que tuvieron a bien obsequiarme.

Eunice Adorno.

Eunice Adorno es egresada del Centro Morelense de las Artes (CEMA) y lleva a cabo este proyecto con el apoyo de una beca del Programa de Jóvenes Creadores del Fonca.

(Vía: CuartoOscuro)

¡Actualización! hace poco le hicimos una entrevista a @EuniceAdorno, aquí el video:

Desde hace algunos años hemos visto como la fotografía explora otras disciplinas, más allá de fungir solo como medio de registro de estas, se relaciona con el performance, el teatro o la escultura entre otras para crear un discurso. El trabajo de Alejandra Laviada explora la relación entre fotografía y escultura.

“Foto Esculturas busca redefinir las barreras que existen entre diferentes disciplinas artísticas, en particular entre la fotografía y la escultura. Utilizando objetos descartados que encuentro en lugares determinados, creo esculturas efímeras, con la intención de fotografiarlas. Me interesa cambiar la percepción que tenemos de los objetos cotidianos, transformarlos en algo diferente y asignarles una nueva función. Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana, ya que creo nuevas narrativas con los objetos que voy desenterrando. Cada uno de ellos nos revela algo de la historia o función del espacio y de la gente que lo habitó.
Busco siempre la manera de construir una imagen y no sólo documentar algo que ya existe. Para cada proyecto elijo un espacio en extinción —sitios que  serán demolidos o transformados por completo— y lo utilizo como estudio temporal. Las imágenes registran mis intervenciones en estos espacios, intervenciones que no siempre imponen, sino sugieren: una presencia, una narración, una acción, a momentos sutil y a veces palpable. Las fotografías son un registro de estos espacios; un ensayo de historias pasadas y futuras, del tema de la temporalidad y la entropía en el lenguaje urbano de nuestras ciudades.” Alejandra Laviada

Alejandra Laviada (Ciudad de México, 1980) es una de las ganadoras de la XIV Bienal de Fotografía 2010.

(Vía: Centro de la Imagen)

Juárez de María Luz Bravo es documental, pero no del clásico documental al que estamos acostumbrados. Parece que María sigue esta tendencia que más allá de buscar el momento decisivo opta por tomarse su tiempo, quizás retroceder unos pasos y así capturar el espacio completo.

Esta serie retrata la situación actual de Ciudad Juárez donde miles de personas se han visto obligadas a abandonar esta ciudad debido a la alza en delitos como extorsiones, robos, asaltos y asesinatos causados principalmente por el narcotráfico. En las imágenes podemos contemplar todos estos espacios que han sido abandonados, desde casas humildes hasta residencias lujosas, desde parques públicos hasta maquiladoras.

¿Cuándo y por qué comenzaste a hacer fotografía?

Hace unos  10 años, de manera casual, casi lúdica, y fue a partir de 2002 que comencé a participar en talleres, donde inicié mis primeros proyectos. A partir de ahí he continuado trabajado para construir un lenguaje propio e ir depurando mi mirada.

¿Qué te motivó a realizar esta serie?

Ciudad Juárez es un fenómeno con un interés mediático global; surgió en mi la inquietud por conocer de cerca la realidad de esta ciudad anticipando que tendría que ser mucho mas compleja que lo que los medios nos presentan.

Mi propósito con este proyecto, es el provocar una reflexión sobre los efectos de la violencia y el deterioro social en el espacio urbano.

¿Cuál fue la evolución del proyecto durante su desarrollo?

Durante meses acaricié la idea de este proyecto; me acerqué a la ciudad con las herramientas a mi alcance: Internet, artículos, libros, etc, a partir de esto tuve la claridad de me interesaba hacer paisaje urbano.

La oportunidad de visitar Juárez llegó y en cuanto comencé a recorrer la ciudad confirmé cuál sería mi aproximación y la estética para el proyecto.

Inicialmente me dediqué a recorrer las avenidas principales y áreas centrales donde logré capturar comercios, grandes parques, establecimientos recreativos, etc, para después adentrarme en los barrios donde encontré otra escala de la situación en viviendas de interés social desocupadas masivamente, viviendas unifamiliares abandonadas, parques infantiles, etc.

El proyecto sigue en proceso y en mis próximas visitas me interesa continuar fotografiando el mismo fenómeno pero  desde distintas escalas y perspectivas.

¿Cuál fue el mayor reto al realizar esta serie?

Evitar caer en lugares comunes. Me propuse encontrar una aproximación que reflejara a Juárez desde los efectos de su situación, los daños colaterales, más que desde la representación directa de la violencia.

Existe este mito sobre lo peligrosa que es Ciudad Juárez ¿Tuviste algún problema al estar ahí?

No es un mito que Juárez sea una ciudad peligrosa; la contingencia que se vive es innegable. Sin embargo mi experiencia ha sido extraordinaria en lo que se refiere al contacto con sus ciudadanos. Desde las personas que facilitaron mi logística hasta lo ciudadanos con los que hablé en las calles, encontré una gran calidez humana.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?

Actualmente estoy trabajando un par de nuevos proyectos:

El primero es con un equipo interdisciplinario para registrar en diferentes plataformas las condiciones de borde que genera la relación de la Ciudad de México con su territorio, y el segundo es un proyecto que tiene que ver con los procesos de colonización del paisaje y la resistencia que genera la naturaleza al reclamar el espacio que le corresponde

Durante las últimas décadas he visto como la fotografía evoluciona, un ejemplo básico que me gusta dar es como antes una fotografía validaba un pié de foto y ahora -en trabajos como el de Taryn Simon- es necesario un pie de foto para validar y entender lo que estamos viendo. ¿Hacia dónde crees va la fotografía actualmente?

La fotografía no evoluciona linealmente hacia alguna dirección particular. Las distintas disciplinas artísticas pueden traspasar sus propios límites en una infinidad de posibilidades que van desde lo meramente estético y conceptual hasta objetivos pragmáticos  El fotógrafo hoy está expuesto a una infinidad de posibilidades habilitadas por la tecnología disponible, por las preocupaciones de la agenda global y por trascender conceptual y disciplinariamente los límites del encuadre.

¿Hay alguna fotografía que este dando vueltas en tu cabeza y te falte por hacer o una pieza de algún fotógrafo que te hubiera gustado hacer?

No realmente… La fotografía que me falta por hacer es la siguiente, la que aporte una pieza más al proyecto que estoy realizando. No pienso en la fotografía en términos de imágenes aisladas, me interesa siempre concebir mi trabajo en el marco de un proceso amplio.

María Luz Bravo (Puebla, México 1975).

“Esta serie es un ejercicio performático documentado por medio de la cámara fotográfica, que otorga primordial importancia a las formas creadas. Es también un medio de reflexión sobre la forma y un intento por rescatar su función poética. El resultado de esta serie también podría considerarse como un hecho escultórico, sujeto a las formas caprichosas e irrepetibles generadas por el viento.

Este trabajo muestra la interacción de dos elementos contrarios, uno artificial y otro natural, creando un nuevo paisaje y una manera distinta de acercarse a la experiencia contemplativa.” Alex Dorfsman.

Alex Dorfsman

(Vía: Centro de la Imagen)

Livia Corona es una fotógrafa mexicana que trabaja tanto en México cómo en Nueva York. En su serie “Two Million Homes for Mexico” aborda el resultado de la propuesta de campaña que el entonces candidato a la presidencia de México Vicente Fox hizo sobre fomentar la construcción de hogares de interés social por medio del INFONAVIT, el resultado de los seis años de gobierno de Fox fue la construcción de 2,350,000 casas, 2,500 por día.

Livia Corona trabajó en esta serie durante 4 años, conviviendo y platicando con la gente que habita estos condominios y al mismo tiempo explorando los grandes terrenos que serían destinados a esta masa de hogares, algunas de sus imágenes son fotografías aéreas donde vemos cientos de casas idénticas, una junta a otra, en filas y columnas, con una distribución que bien podría estar inspirada en los cubiculos que podemos ver en cualquier oficina gubernamental. Otras son desde el interior de estos hogares, en estas vemos la calidad y estilo de vida de las familias que habitan estos espacios. También podemos ver imágenes del proceso de construcción de estas masas de hogares que de no estar en terrenos planos bien podrían parecer una favela. El trabajo de Livia también explora el impacto ecológico de estos asentamientos urbanos y la falta de planeación al no contar con espacios de recreación, educación o siquiera espacios comerciales para poder abastecer su despensa.

Sin duda, Livia Corona pertenece a esta nueva generación de documentalistas que hacen un ejercicio de contemplación sin preocuparse del ya añejado instante decisivo. Su trabajo tiene similitudes con el de Alejandro Cartagena del cual ya hemos hablado aquí.

Livia Corona

Actualización.

Aquí una entrevista a Livia Corona por parte de @forumfoto

Hace más de 2 años encontré este Art Talk que hizo VBS.TV con Enrique Metinides, hace unos días lo recordé y creo que es un documento bastante valioso sobre uno de los fotógrafos mexicanos mas interesantes. Vale la pena verlo, Metinides es todo un personaje.

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Aunque Cartagena no nació en México toda su obra esta hecha en México. Ha sido un autor preocupado por documentar la realidad mexicana de espacios urbanos muy característicos. como son las unidades habitacionales del INFONAVIT o casas GEO o como se llame ahora ese mar de casas que se extiende en la periferia de prácticamente cualquier ciudad mexicana razonablemente grande.

Este cúmulo de población mal distribuida afecta  (ademas del entorno vial y social) los ríos y lagos que al ser sobre explotados desaparecen inevitablemente. Esta huella de la sobre urbanización es la que Cartagena documenta en su serie Lost Rivers.  Nos presenta paisajes desolados, caminos erosionados por el agua que ahora están cubiertos de plantas y arboles o llenos de basura en el peor de los casos.

Alejandro Cartagena (República Dominicana 1977) vive y trabaja en Monterrey, Nuevo León. Link

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