Meses después la fotografía “Untitled #96″  que hizo Cindy Sherman en 1981 batió el récord de precio marcado por la fotografía de Gursky al venderse en 3.89 millones de dólares.

Hasta hace unos días la fotografía de Sherman conservaba este récord pero Gursky apareció de nuevo en el mercado con una fotografía realizada en 1999 llamada “Rhein II”, que fue vendida por $4.3 millones de dólares la cual es un paisaje en gran formato, la impresión final mide 73 x 143 pulgadas y es parte de una edición de seis fotografías,  el resto son parte de algunas de las colecciones más importantes del mundo como la del MoMA de N.Y., la del Pinakothek der Moderne en Munich, Alemania, del Tate Modern de London y del Glenstone Collection de Potomac.

Es un paisaje tan común que resulta extraño y difícil de entender, aunque sólo vemos verdes y grises en realidad es un río en Alemania.  Quizá es una de esas fotos para las cuales simplemente hay que pararse enfrente, mirar y disfrutar ya que su tamaño permite esa experiencia. De cierta forma parece que Gursky buscó plasmar sólo la esencia del río, una idea un tanto platónica. Para lograrlo recurrió a técnicas digitales que le permitieron borrar edificios industriales y otros elementos que eran parte de ese paisaje. Esta fotografía me remite de inmediato a los “Seascapes” de Hiroshi Sugimoto y a las pinturas abstractas de Barnett Newman.

Esta noticia causa controversia porque es un alto precio el que ha sido pagado y la mayoría puede cuestionar cómo este paisaje alcanzó esa cifra pero basta investigar un poco sobre otras fotografías que están en la lista de las más caras de la historia para darse cuenta que en realidad es una buena noticia que obras de fotógrafos como Gursky y Sherman encabecen esta lista porque unos lugares más abajo los autores y las piezas resultan ser un poco “extraños”.

Andreas Gursky es un fotógrafo alemán nacido en 1955, fue alumno de Bernd y Hilla Becher y eso explica mucho de su obra.

Teru Kuwayama junto a otros fotógrafos, artistas e ingenieros multimedia crearon Basetrack, una plataforma online para la publicación de fotografía de guerra basada en WordPress que aparte de difundir el trabajo fotográfico ayuda a mantener comunicados a los marines con sus familias. Basetrack genera reportajes en colaboración con los marines basándose en las herramientas de comunicación más importantes de nuestros tiempos, haciendo conexiones con Twitter y Facebook y al mismo tiempo mostrando mediante un mapa interactivo la ubicación exacta de las historias que nos presenta.

Teru ha cubierto la guerra de Afganistán siguiendo a los marines por un largo tiempo contando sólo con un iPhone como cámara principal (es el único uso que le da a este dispositivo). Usar el iPhone y aplicaciones como Hipstamatic le han valido tanto reconocimiento como controversia en el fotoperiodismo a nivel mundial.

De esto y más nos habla Teru Kuwayama en esta entrevista.

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Teru Kuwayama with other photographers, artists and multimedia engineers, created Basetrack, an online platform based on WordPress. This blog has as a main goal: to publish images of war and for Marine’s families to be in constant communication with them. Basetrack creates reportages in collaboration with the Marines based on the most important communication tools of this time; It makes connections on Twitter, Facebook and uses an interactive map which shows the accurate location of each story.For a long time.

Teru has covered the war in Afghanistan having only an iPhone as a main camera (which is only used for this purpose). Using the iPhone and some applications such as Hipstamatic have earned recognition and controversy in worldwide photojournalism.

In this interview Teru Kuwayama talks about this and more.

Teru Kuwayama, New York, 1974.

Basetrack

http://www.facebook.com/basetrack

@basetrack_1_8

http://hipstamatic.com

]]> http://foco.me/entrevista-teru-kuwayama-basetrack/feed/ 0 http://foco.me/video-mauricio-palos/ http://foco.me/video-mauricio-palos/#comments Tue, 24 May 2011 23:10:44 +0000 @MelvinLara http://foco.me/?p=4282

Mauricio Palos está familiarizado con el tema de la migración. El cuerpo de su obra aborda este tema; desde los primeros bocetos que hizo en España hasta la publicación del libro My Perro Rano y el documental En algún lugar. Ha trabajado en varios países de Centroamérica documentando el fenómeno social por el cual la gente va en busca del sueño americano. De esto y más nos habla Mauricio en este video:

El libro My Perro Rano lo pueden comprar aquí.

@MauricioPalos

http://mauriciopalos.com

En su serie de videos “Primay Forces” nos muestra la interacción de las fuerzas de la naturaleza, con las intervenciones que realiza en el paisaje. Son vídeos pensados a partir de la contemplación continua del paisaje, dando como resultado la comprensión de estas fuerzas y su interacción. Cooley hace una intervención que funciona como experimento-comprobación para denotar el fenómeno natural. Sus intervenciones rayan en el Land Art, pero es notorio que lo que importa aquí no es el acto en sí, si no la imagen resultante, en este sentido es una imagen en movimiento con un encuadre claramente fotográfico (cámara fija, encuadre perfecto, muy parecido al resto de sus paisajes en fotografía) que nos muestra, o demuestra, la interacción especifica del fenómeno natural, con su intervención que funciona como dispositivo de demostración.

De esta manera una fogata colocada en la playa a unos pasos del agua, justo en el momento del crepúsculo, cuando la marea sube, se convierte en un objeto que nos ilustra el fenómeno del cambio de las mares a partir del choque que se produce, finalmente, entre el agua y el fuego.

Más vídeos y fotografías en su sitio

Háblanos acerca de tu formación como fotógrafo.

Se podría decir que soy autodidacta ya que me pasé la mayor parte como de asistente con diversos fotógrafos,  al cabo de unos largos años me puse por mi cuenta como fotógrafo editorial y publicitario.

Después me dí cuenta que no estaba feliz con lo que hacía ya que sólo tomaba fotografías para los demás y no hacía nada como proyecto personal. A partir de ahí es cuando decido fugarme a E.U.  y paso nueve meses  viviendo del cuento pero ya empiezo a hacer mis fotos, digamos que necesitaba este giro en mi vida ya que estaba un poco ahogado en mi ciudad. Luego decido viajar a México con la idea de un cambio de aires y seguir haciendo mis proyectos personales.

Al cabo de un año de estar en la Ciudad de México cursé el Seminario de Fotografía Contemporánea en el centro de la Imagen, posteriormente imparto varios talleres Internacionales con diversos fotografos.

Esa sería a grandes rasgos mi historia.

¿Cómo surge la serie Invaders? Háblanos más acerca de esta serie.

Invaders surge de la casualidad en un viaje por el Norte de la República; Sonora y Sinaloa. Básicamente siempre me han llamado la atención estas estructuras metálicas, con una similitud próxima a la de un platillo volador mejor conocido como OVNI. En la mayoría de las imágenes podemos ver estas grandes estructuras en medio de zonas semidesérticas. Es la importancia del almacenamiento  de agua en esas zonas que permite una reflexión entre vida, urbanidad y espacio.

Tienes otra serie llamada Cocina Económica, háblanos sobre esta serie.

Cocina económica  también surge de un viaje rumbo Real de Catorce,  básicamente es un documento de esos lugares que alguna vez fueron algo, tuvieron un papel en el mundo y la  sociedad y que por causas del desarrollo ya sea por nuevas vías rápidas o por los diversos cambios económicos pasaron a ser arquitecturas permanentes con muy poca frecuencia social y las que corrieron con menos suerte terminaron como estructuras fantasmas.

Con el proyecto de “cocina económica ”  me siento muy agradecido por la forma en que está realizado ya que me encontré esos lugares en medio de la nada y me parecía que estaban puestos expresamente para mi.

¿Qué crees que aporten estas series al exhaustivo ejercicio de Bernd y Hilla Becher?

No creo que aporte nada, digamos que es visión personal de estas estructuras, pienso que el trabajo de Bernd y Hilla Becher es de una manera  científico y sigue unos métodos de realización y concepción muy diferentes a Invaders, además no creo que sea comparable  ya que para mi son palabras mayores, mis respetos a esta pareja de grandes fotógrafos.

Cuéntanos cuál es el proceso que sigues para realizar una fotografía

La mayoría de mis proyectos surgen de una idea más o menos clara, normalmente no hay un discurso detrás de todo ello;  si lo hay es porque a uno se le obliga a argumentar sus imágenes y lo que a mi me interesa es darle esa importancia que merecen los objetos en cuestión. También podríamos decir que me rijo mucho por la estética y por una “frontalidad definitiva”, pienso que  cada proyecto necesita  de un proceso de elaboración distinto.

También hay un tema básico que es la documentación, pero el mundo de Internet es tan grande que aveces no das con la información deseada  y luego suceden las semejanzas, lo que quiero decir es que prácticamente ya esta todo hecho y lo que hacemos es darle una visión distinta.

¿Cuál es tu equipo de trabajo?

Soy un amante de las cámaras y cada proyecto requiere de un formato y tipo de cámara específicos. Estos dos proyectos están hechos con Hasselblad  y película negativa Kodak ISO 160. Me encanta trabajar en película pero no le hago feos al digital; trabajo con un 5DII.

¿En qué proyecto estás trabajando en este momento?

En estos momentos estoy trabajando en varios  temas no muy definidos del todo pero uno de ellos que estoy muy contento son de la tipología de “arquitectura urbana ” olvidada , se trata  agrandes rasgos de esos autos clásicos que están en la ciudad  semi-abandonados y abandonados. Estoy realizando un registro de esos vehículos que han  sido testigo de cientos de historias y que ahora por diversos motivos están en sus últimos años de vida es por eso que creo que es un documento muy interesante.

Marcel Rius.

Esta serie se llama “The Replacement” y es el último trabajo de Barbora Žůrková & Radim Žůrek. En ella vemos lo que parece ser una serie de retratos de famosos en su etapa adolescente pero en realidad son retratos tratados digitalmente para crear una semejanza o un clon citando a un famoso. “The Replacement” plantea estos retratos como el clon generado para sustituir a su “padre” y trata de representar la problemática que esto generaría en el sujeto “original”.

“La confrontación de un clon y su coexistencia original. La coexistencia abre un tema en relación con un grado de madurez en un hombre de aceptarse a sí mismo como su propio reemplazo; a aceptar su propio clon en el ámbito personal de relaciones que ha estado construyendo desde hace mucho tiempo; posiblemente hasta enfrentar el deseo de mantener su identidad privada y originalidad “

La estética de estos retratos es limpia, perfecta y varía muy poco de uno a otro. En todos vemos al retratado en primer plano mientras que en el fondo vemos un horizonte bajo y un cielo totalmente nublado, sin sol. Pareciera que es un ambiente hecho especialmente para reclutarlos en espera de convertirse en el reemplazo de su original. Los adolescentes nunca miran a la cámara. Parecen estar asustados o confundidos.

La fotografía en blanco y negro del famoso no forma parte de la obra, supongo que esto es por cuestiones legales. Al yuxtaponer estas dos imágenes creamos una comunicación entre ellas y es como mejor se siente la tensión de la problemática que Barbora Žůrková & Radim Žůrek plantean.

Barbora Zurkova y Radim Zurek son una pareja que vive en la Republica Checa.

El ejercicio documental que hace Eunice Adorno en Fraum Blaum es totalmente contemplativo, más allá de ir en búsqueda del instante decisivo al hacer una imagen, Eunice prefiere observar, tratar de entender a la comunidad que está retratando y de esta forma lograr hacer un registro de lo cotidiano.

Esto y más es de lo que nos platica Eunice en el video que pueden ver aquí.

Eunice Adorno es egresada del Centro Morelense de las Artes, participo en el Seminario de Fotografía del Centro de la Imagen y formó parte del programa de tutorías para artistas emergentes impartido por Tóxico Cultura.

@EuniceAdorno

http://euniceadorno.net/blog

Los paisajes que hace Mariano Imperial se pueden definir como un gran ejercicio de contemplación, en cada imagen notamos que hay una exhaustiva búsqueda de un encuadre perfecto y aunque esta búsqueda y esta contemplación podría demorar el momento de hacer la imagen, Mariano nos dice que en realidad le toma poco tiempo, esto se debe al scouting que realiza a los lugares que le interesan. De esto y más nos platica en la siguiente entrevista.

foCo- Háblanos acerca de tu formación como fotógrafo.

Mariano Imperial- Mi formación en fotografía se resume en 5 años de la escuela de Artes Visuales Martín Malharro, ahí aprendíamos todo lo que se refiere a las artes plásticas, una de las orientaciones profesionales entre otras era fotografía, en ese entonces necesitaba transmitir lo que quería decir de manera rápida, si bien me encantaba dibujar (de hecho hacía la carrera de ilustración en paralelo) me volqué de lleno a la carrera fotográfica. Esta tenía una impronta estética muy importante, construíamos imágenes desde ese lugar, lo que nos faltaba a todos era el concepto, hacíamos fotos sin contenido y sin discurso pero con muchos recursos estéticos y plásticos. Fue en los últimos años que aprendimos a desarrollar un proyecto fotográfico, pero cuando se ponía interesante se terminó la carrera. Más tarde me mude a la ciudad de Buenos Aires donde realicé cursos y clínicas con Alberto Goldenstein, y fue ahí donde empece a ver la fotografía de otra manera, pero faltaba algo más, estaba con muchas ideas o por lo menos tenía una pequeña idea de lo que tenía que hacer pero no tenía forma. Fue en ese entonces cuando empecé la clínica-taller con la fotógrafa y artista visual Lena Szankay, el taller de “Pensamiento de la Imagen” hizo que empezara a trabajar desde lo conceptual, con una idea consistente  y a largo plazo.

foCo-¿Cómo surge la serie Gente Mínima? Háblanos más acerca de esta serie.

M. I.- Se podría decir que es un trabajo que es una resultante de muchas cosas, en principio estaba tomando fotos de escenarios vacíos, estaba realmente enamorado de los lugares solitarios, de la arquitectura de estos lugares, pude resolver un par de proyectos que terminaron premiados en la Bienal de Arte joven de la ciudad de Mar del Plata, pero a la vez sentía que mis fotos no eran del todo interesantes, o por lo menos a mi. En realidad sabía que tenía que agregar “actores” a mis escenarios pero sentía la dificultad de retratar, no quería invadir a estos con una cámara. Es por eso que Gente Mínima tiene actores muy pequeños  con relación a los escenarios en los que están, en esta serie se reflejan mis miedos a acercarme a la gente, a involucrarme directamente con ellos.

Funciona como un alguien que espía por una mirilla y ve toda una situación, sin que ellos se den cuenta. Hasta la manera de tomar estas fotos es muy rápida, realmente hay un sentimiento perturbante de que me descubran, trato de hacerlo rápido y sin que se den cuenta,  sin dejar de lado todos los recursos estéticos e influencias de todos esos años de la escuela de Arte.

foCo- Tienes otra serie llamada Proyecto Costa, háblanos sobre esta serie.

M. I.- Esta serie es un registro que vengo haciendo de ciudades de la Costa Atlántica de la Provincia de Buenos Aires, Argentina. Hay muchos lugares que pretendieron ser grandes y quedaron en el olvido, hay toda una infraestructura a medio hacer, lugares realmente insólitos  y abandonados, hay mucha soledad y silencio. Se puede ver pueblos que fueron pensados con un solo motor económico turístico que no funcionaron del todo bien. También hay vestigios de lugares que tuvieron un auge y que ahora están en decadencia. Son todos estos temas los que me interesa fotografiar a lo largo de 10 ciudades distintas. Es un proyecto a largo plazo.

foCo- Cuéntanos cuál es el proceso que sigues para realizar una fotografía, tanto para Gente Mínima como para Proyecto Costa.

M. I.- Bien, en los dos proyectos hago una suerte de scauting, veo los lugares antes, trato de escribir en mi cabeza que es lo que quiero fotografiar y dónde, muchas veces vuelvo sin imágenes, pero trato de estar siempre receptivo, sobre todo para gente mínima.

foCo- ¿Cuál es tu equipo de trabajo?

M. I.- En este momento trabajo con una cámara digital de formato completo Canon 5d MARK II, antes lo hacia en forma analógica pero necesitaba producir más y más rápido. Todas las fotos pasan por un post proceso de Photoshop de unos cuantos minutos. Trato de contar mi historia a partir del color, para mi es muy importante y hasta que no me convence este aspecto no las publico.

Mariano Imperial vive en Pinamar, Argentina.

@marianoimperial

http://www.behance.net/marianoimperial

Estos retratos hechos por Cécile Decorniquet son perfectos; la luz, la expresión y la caracterización victoriana de los personajes son elementos que destacan en cada una de las imágenes. En un principio vemos a estos personajes como niños pero de inmediato puedes notar que hay hay algo más, parece que  esa mirada siniestra contiene ya la experiencia de un adulto. Es así como en estos retratos vemos a niños que han sido privados de su inocencia para pasar a ser adultos.

Esta serie me recordó los retratos surrealistas de niños hechos por Loretta Lux, no sólo por ser retratos de niños si no por el tratamiento estético que está claramente influenciado por autores como Lewis Carroll y Mark Ryden.

Cécile Decorniquet, París, Francia.

Guillermo Rivero (@redmarker) hace un registro de lo cotidiano con la cámara de su teléfono celular. Viendo redmarker.com noté de inmediato que se trata de un iPhone y eso se debe a las características inequívocas que tiene su cámara, todas las imágenes presentan cierta aberración cromática, baja resolución y tienen un formato definido.

Esto no es necesariamente malo, como otros fotógrafos que hacen obra con este teléfono lo dicen; esas características/limitantes son parte importante de la obra y de alguna forma es como hacer fotos con una Holga o con una Polaroid. Al igual que esas cámaras, el iPhone da como resultado imágenes que contienen la carga estética del aparato con las que fueron producidas y es aquí donde interviene la visión del fotógrafo que se enfrenta al reto de superar esa carga estética y lograr que el discurso implícito por la cámara no supere al discurso del fotógrafo.

Esto es de lo que nos platica Redmarker en el video que pueden ver aquí.